जहां तस्वीरों को परखा जाता है. अपनी तस्वीरों को रेटिंग कैसे दें. अपनी तस्वीरों का स्वयं मूल्यांकन कैसे करें और उन्हें अपनी आलोचना का विषय कैसे बनाएं

आपको अपनी तस्वीरों का मूल्यांकन करने में सक्षम होना चाहिए।

पेशेवरों के लिए पेशेवर अलग-अलग होते हैं। फोटोग्राफी में, कोई सार्वभौमिक वस्तुनिष्ठ मूल्यांकन मानदंड नहीं हैं, इसलिए यह इतना महत्वपूर्ण नहीं है कि मूल्यांकन ही मायने रखता है, बल्कि यह है कि इसका मूल्यांकन कौन करता है। एक ही तस्वीर को अलग-अलग दर्शकों द्वारा अलग-अलग तरीके से आंका जाता है। तो, एंड्रियास गर्सकी की प्रसिद्ध तस्वीर "राइन II" () को संभवतः न केवल वहां पर संयम का सामना करना पड़ा, जो इस तस्वीर को दुनिया में सबसे महंगी होने से नहीं रोकता है। मैंने कुछ प्रसिद्ध (और निश्चित रूप से अच्छे) कार्टियर-ब्रेसन शॉट्स की कुछ फोटोग्राफी मंच पर आलोचना होते देखा। क्या हमें ऐसे अनुमानों पर भरोसा करना चाहिए?

किसी तस्वीर का पर्याप्त मूल्यांकन यह जाने बिना नहीं किया जा सकता कि इसे क्यों लिया गया और इसे इस तरह क्यों लिया गया। दो बारीकियाँ हैं.

पहला यह है कि फोटोग्राफी हमेशा किसी न किसी प्रकार के सौंदर्यशास्त्र की ओर आकर्षित होती है, जिनमें से प्रत्येक में छवि अपने सिद्धांतों के अनुसार बनाई और समझी जाती है। मोटे तौर पर कहें तो, यह पुनर्जागरण, बारोक, प्रभाववाद और आधुनिक कला का सौंदर्यशास्त्र है। पुनर्जागरण के सौंदर्यशास्त्र के केंद्र में एक आलंकारिक सिफर है ("सफेद गुलाब उदासी का प्रतीक है"), एक साहित्यिक घटक, ऐसे सौंदर्यशास्त्र में फोटोग्राफी कुछ कहती है। बैरोक सौंदर्यशास्त्र गति, आकृति के धुंधलापन, कोहरे, परिप्रेक्ष्य, गतिशीलता पर आधारित है - वह सब कुछ जो हम आमतौर पर चित्रों में पसंद करते हैं। प्रभाववाद का सौंदर्यशास्त्र रंगीन विरोधाभास पर आधारित है। समकालीन कला के सौंदर्यशास्त्र में, हर चीज़ का आधार यह विचार है कि दर्शक स्वयं पढ़ता है, जबकि कलाकार और छवि आम तौर पर गौण होते हैं।

दूसरी बारीकियाँ - यदि फोटो लगाया जाता है (शादी, विज्ञापन, रिपोर्ताज, आदि), तो यह महत्वपूर्ण है कि कार्य कैसे हल किया जाए। यहाँ सौन्दर्यशास्त्र गौण है। उदाहरण के लिए, इस लिंक () के अनुसार, तीन में से दो तस्वीरें काफी खराब हैं, हालांकि वे अच्छी लगती हैं। और इस तरह () एक अच्छा और बहुत ही पेशेवर वेडिंग शूट दिखता है। पहली नज़र में, यह सामान्य लगता है, लेकिन करीब से देखें: सभी तस्वीरें अच्छी हैं और बिंदु तक, कहीं भी कोई तकनीकी रुकावट नहीं है, सब कुछ एक ही सचित्र कुंजी में कायम है, जो कुछ हो रहा है उसका एक अभिन्न प्रभाव मिलता है, फोटोग्राफर किसी भी चीज़ में दिखावा नहीं करता, 127 तस्वीरों में बोर होने का समय नहीं होता।

तो आप अपनी तस्वीरों का मूल्यांकन कैसे करते हैं? फ़ेसबुक पर मित्रता करने का सबसे आसान तरीका आपके लिए व्यक्तिगत रूप से एक दर्जन या दो प्रतिष्ठित छवि पेशेवर हैं - चाहे वे फ़ोटोग्राफ़र, कला समीक्षक, फ़िल्म निर्माता, कलाकार आदि हों: यदि कम से कम एक को किसी चीज़ पर पसंद या टिप्पणी आती है, तो तस्वीर को स्थगित कर दिया जाना चाहिए और छह महीने बाद इसकी समीक्षा करें. दूसरी कसौटी यह है कि क्या कुछ ही दिनों में दर्जनों परिचित लोगों ने तस्वीर पर प्रतिक्रिया दी।

दूसरा तरीका है रजिस्ट्रेशन करना. पहला संसाधन अधिक पॉपी है, लेकिन अगर चित्र संपादक की पसंद में आ गया, तो यह अच्छा है। अगर यह वहां लोकप्रिय हो गया, तो यह बुरा नहीं है।

कोई भी नौसिखिया, एक निश्चित संख्या में फ़्रेम क्लिक करने के बाद, खुद से सवाल पूछता है: क्या मेरे द्वारा ली गई तस्वीरें अच्छी हैं या नहीं?!

उत्तर की तलाश में, चायदानी साइटों और Vkontakte समूहों की ओर रुख करती है, उनसे फोटो की आलोचना करने और कमियों को इंगित करने के लिए कहती है। इस तथ्य के बारे में बात करना आवश्यक नहीं है कि हमारा नायक अपनी रचनाओं की उत्कृष्ट कृति में दृढ़ता से विश्वास करता है।

और जब आलोचकों की निगाह उस पर पड़ती है, तो हमारे नौसिखिया की दुनिया तेजी से फटने लगती है और हमारी आंखों के सामने फैलने लगती है।

मैं कई जनता का सदस्य हूं और एक शातिर आलोचक हूं जो नियमित रूप से अन्य लोगों की तस्वीरों की कठोर समीक्षा वितरित करता है, यही कारण है कि नौसिखिया फोटोग्राफर निराश होने लगता है और स्थानीय प्रशासन से मेरे बारे में शिकायत करने के लिए दौड़ता है।

हालाँकि, कोई भी नौसिखिया इस तरह की निराशा से बच सकता है यदि वह खुद के प्रति ईमानदार है और निष्पक्ष दृष्टि से अपनी तस्वीर को देखकर स्वतंत्र रूप से उसका मूल्यांकन करता है। तो, आइए इस बारे में बात करें कि आप अपनी तस्वीरों का मूल्यांकन स्वयं कैसे कर सकते हैं और करना चाहिए।

सामान्य तौर पर, फोटोग्राफी के कई वर्षों के बाद, मैं देख सकता हूं कि यदि आप अपनी तस्वीरों का स्वतंत्र रूप से और आत्म-आलोचनात्मक मूल्यांकन करना नहीं जानते हैं, तो आप सिद्धांत रूप में एक अच्छे फोटोग्राफर नहीं बन पाएंगे।

अपनी तस्वीरों का स्वयं मूल्यांकन कैसे करें और उन्हें अपनी आलोचना का विषय कैसे बनाएं?!

किसी तरह मैंने पहले ही बताया था कि किसी भी तस्वीर की गुणवत्ता को दो स्तरों पर माना जा सकता है: तकनीकी और कलात्मक।

तकनीकी दृष्टि से अपनी तस्वीरों का मूल्यांकन करना सबसे आसान और सुविधाजनक है। यह फोटो की जांच करने के लिए पर्याप्त है:

• हाइलाइट्स / ओवरएक्सपोज़र / चकाचौंध / "खरगोश"
• छाया में गिर जाता है
• सामान्य तौर पर एक्सपोज़र
• फ़्रेम में क्षैतिज रेखा / क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर रेखाएँ
• डिजिटल शोर की मात्रा
• बहुत कम/बहुत अधिक कंट्रास्ट
• उचित फ़्रेमिंग/संरचना

कलात्मक दृष्टि से, सब कुछ बहुत अधिक जटिल है। आपको कुछ बुनियादी सवालों का ईमानदारी से जवाब देना होगा:

• यह तस्वीर कैसी भावनाएँ जगाती है?
• क्या यह मुझमें कोई भावना जगाता है?
• क्या फोटो में वस्तुओं, वस्तुओं और योजनाओं के बीच संतुलन है?!
• क्या इस तस्वीर में कोई विदेशी वस्तुएं या वस्तुएं हैं जो इतनी अनावश्यक हैं?!

और जब आप आश्वस्त हों कि तकनीकी रूप से, साथ ही कलात्मक रूप से, सब कुछ आपकी तस्वीर के साथ है, तो आप इसे पहले से ही सोशल नेटवर्क या विशेष साइटों पर "आलोचना के लिए" सुरक्षित रूप से पोस्ट कर सकते हैं।

सच है, मुझे आपको तुरंत चेतावनी देनी चाहिए, बहुत सारी टिप्पणियाँ नहीं होंगी, क्योंकि तकनीकी पक्ष से आप गलती नहीं ढूंढ सकते, लेकिन कलात्मक पक्ष से, यह शायद हमारी कठोर वास्तविकता के बारे में आपका दृष्टिकोण है। पसंद की संख्या किसी विशेष जनता की लोकप्रियता और ट्रैफ़िक पर दृढ़ता से निर्भर करेगी, जिससे यह विचार आता है कि उनकी संख्या किसी भी निर्धारण कारक के रूप में काम नहीं कर सकती है।

मैं आपको सलाह देता हूं कि आप लाइक की संख्या पर ध्यान न दें, क्योंकि एक पूर्ण विस्तृत टिप्पणी, चाहे वह सकारात्मक हो या नकारात्मक, फोटोग्राफी में आपके विकास पर किसी को नहीं पता कि कौन से अनाम लाइक के समूह की तुलना में कहीं अधिक प्रभाव डालेगी, बिना किसी विचार के कि क्या स्वाद है।

बस इस टिप्पणी को सुनना और गंभीरता से आकलन करना पर्याप्त है कि वह व्यक्ति वास्तव में आपसे क्या कहना चाहता था। अंततः, यह आपकी तस्वीरों का वही दर्शक है जिसके लिए आपने सामान्य तौर पर तस्वीरें खींची थीं।

हाँ, और मैं जानता हूँ कि आपने इसके बारे में नहीं सोचा है।

विश्लेषण - ग्रीक से। विश्लेषण - विघटन, विघटन, मानसिक के लिए एक प्रक्रिया, और अक्सर किसी वस्तु का वास्तविक विघटन (घटना, प्रक्रिया), किसी वस्तु के गुण या भागों में वस्तुओं के बीच संबंध; विश्लेषणात्मक विधियाँ विज्ञान में इतनी आम हैं कि "विश्लेषण" शब्द अक्सर प्राकृतिक और सामाजिक विज्ञान दोनों में सामान्य रूप से अनुसंधान का पर्याय बन जाता है।

व्याख्यान "अच्छी और बुरी फोटोग्राफी" में, हम पहले ही एक फोटोग्राफिक छवि के मूल्यांकन के मानदंड के मुद्दे पर बात कर चुके हैं। अब इस बारे में और अधिक विस्तार से बात करने का समय आ गया है। अपनी और अन्य लोगों की तस्वीरों का विश्लेषण और निष्पक्ष मूल्यांकन करने की क्षमता एक फोटोग्राफर के सबसे महत्वपूर्ण व्यावसायिक गुणों में से एक है। अपने स्वयं के काम का पहला और, आदर्श रूप से, सबसे गंभीर आलोचक होने के नाते, फोटोग्राफर को दर्शकों के निर्णय के लिए ऐसी तस्वीरें प्रस्तुत करनी चाहिए जो न केवल तकनीकी रूप से परिपूर्ण हों, बल्कि भावनात्मक रूप से भी ज्वलंत हों, जो किसी विशेष स्थिति के लिए सबसे उपयुक्त हों। यह बिल्कुल स्पष्ट है कि ऐसे कठिन कार्य के उच्च गुणवत्ता वाले प्रदर्शन के लिए कुछ ज्ञान, कौशल और क्षमताओं की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, फोटोग्राफी का विश्लेषण फोटोग्राफिक सोच विकसित करता है और कौशल के विकास में योगदान देता है, क्योंकि विश्लेषण और संश्लेषण "एक ही सिक्के के दो पहलू हैं।" और निश्चित रूप से, यह समझना महत्वपूर्ण है कि संपूर्ण, लगभग हमेशा, केवल भागों का योग नहीं है, बल्कि एक निश्चित संख्या में परस्पर जुड़े तत्व हैं जो एक साथ एक नई गुणवत्ता को जन्म देते हैं। यह वह गुण है जो एक वास्तविक तस्वीर को एक साधारण तस्वीर से अलग करता है। एक फोटोग्राफिक छवि का विश्लेषण करते समय, हम छवि के विभिन्न हिस्सों और पक्षों पर विचार करेंगे, लेकिन विशेष रूप से ध्यान से - उस गुणवत्ता का मूल्यांकन करें जो संपूर्ण - एक वास्तविक तस्वीर में निहित है।

अब मुख्य बात के बारे में - प्रारंभिक विश्लेषण. किसी तस्वीर का यूं ही विश्लेषण करने का कोई मतलब नहीं है, यानी उसके निर्माण के उद्देश्य और उद्देश्य से अलग! प्रश्न का उत्तर देने का प्रयास करें - कौन सा बेहतर है - बस, ट्रक, कार या मोटरसाइकिल? यहाँ प्रश्न उठता है - किसलिए? यह कहा जाना चाहिए कि यह बिल्कुल सही ढंग से उठता है। स्थिति एक संगीत या साहित्यिक कृति के समान है - आप एक गीत की तुलना वायलिन संगीत कार्यक्रम से कर सकते हैं, या एक निबंध की तुलना एक जासूसी कहानी से कर सकते हैं, लेकिन यह निर्धारित करने का प्रयास करना कि कौन सा बेहतर है, संदर्भ से बाहर और, क्षमा करें, एक विशिष्ट उपभोक्ता से। पूरी तरह से व्यर्थ. यह पूरी तरह से फोटोग्राफी पर लागू होता है - पहले स्थिति पर निर्णय किए बिना फायदे या नुकसान के बारे में बात करना मूर्खतापूर्ण और जंगली है। इससे एक सरल निष्कर्ष निकलता है: किसी तस्वीर के विश्लेषण को समझने के लिए, परिणाम को प्राप्त करने के उद्देश्य से सहसंबंधित करना आवश्यक है।

हम पारंपरिक बाजार योजना के अनुसार सबसे सरल, सबसे सहज वर्गीकरण का उपयोग करेंगे - हम सवालों के जवाब देंगे:

किसके लिए,

किसके लिए?

इस सवाल का जवाब बहुत कुछ तय करता है. आरंभ करने के लिए, आइए सामान्य को विशेष से अलग करें, यानी, मित्रों या रिश्तेदारों के एक संकीर्ण समूह के लिए ली गई तस्वीरों को व्यापक दर्शकों के लिए ली गई तस्वीरों से अलग करें। सामान्य अर्थ में, यह दर्शकों का उन लोगों में विभाजन है जो "जानते हैं" और जो तस्वीर में दर्शाए गए संदर्भ से परिचित नहीं हैं। सहमत हूं, दादा-दादी के लिए पोते की तस्वीर, उच्चतम गुणवत्ता, अमूर्त फोटो मास्टरपीस की तुलना में कहीं अधिक दिलचस्प है। एक वृत्तचित्र के रूप में फोटो का मतलब, संकीर्ण पारिवारिक अर्थ में, जीवन का पूरा अधिकार है। इसके अलावा, अधिकांश तस्वीरें बिल्कुल "मेमोरी फोटो" के रूप में ली जाती हैं। बेशक, यह अच्छा है जब किसी पारिवारिक एल्बम में या घर की दीवार पर उच्च गुणवत्ता, रचनात्मक रूप से सत्यापित और सामग्री में दिलचस्प के साथ ली गई पेशेवर तस्वीरें हों। हालाँकि, कुछ और अधिक महत्वपूर्ण है - महत्वपूर्ण जीवन स्थितियों में पात्रों के एक संकीर्ण दायरे के लिए ज्ञात प्रतिबिंब का तथ्य और निश्चित रूप से, ये पात्र "आपके प्रियजनों" को कितना पसंद करते हैं, इसका निर्णायक महत्व है। अत्यधिक कलात्मक, रचनात्मक शोध से प्रभावित होकर, अपने प्रियजनों के बारे में न भूलें ताकि आपको "बिना जूते के जूते बनाने वाला" न मिले। करीबी लोग सबसे आभारी दर्शक होते हैं।

"ऑर्डर करने के लिए" तस्वीरों के साथ स्थिति कुछ अलग है, उन्हें एक संकीर्ण दायरे और व्यापक दर्शकों दोनों के लिए लक्षित किया जा सकता है। एक नियम के रूप में, ऐसे कार्य करते समय यह स्पष्ट करना उपयोगी होता है - तस्वीरें किसके लिए ली गई हैं? इस मामले में, मुख्य कार्य ग्राहक की आवश्यकताओं और अपेक्षाओं का अधिकतम अनुपालन सुनिश्चित करना है, और हमेशा उच्चतम तकनीकी गुणवत्ता के साथ। अक्सर, यह समझने में अधिक समय और प्रयास लगता है कि ग्राहक क्या चाहता है, कार्य स्वयं करने की तुलना में, लेकिन कोई दूसरा रास्ता नहीं है।

हम सबसे दिलचस्प - रचनात्मकता और आत्म-अभिव्यक्ति की ओर मुड़ते हैं। अक्सर शौकिया फ़ोटोग्राफ़र कहते हैं कि वे विशेष रूप से अपने लिए शूट करते हैं - यह आत्म-धोखा या चालाकी है। हर रचनाकार को एक दर्शक वर्ग और इस दर्शक वर्ग की पहचान की आवश्यकता होती है! इसका मतलब यह है कि, रचनात्मकता में लगे रहने के कारण, फोटोग्राफर एक अपरिचित दर्शकों के लिए काम करता है, जिसे वह अपने विचारों और फोटोग्राफिक छवियों के साथ रुचिकर "जीतना" चाहता है। इसलिए मुख्य आवश्यकता - तस्वीरें आकर्षक, दिलचस्प और अजनबियों की एक विस्तृत श्रृंखला के लिए सार्थक रूप से समझने योग्य होनी चाहिए। ऐसी तस्वीरों को छवि के संदर्भ से अलग लोगों के लिए अपने रूप और सामग्री के साथ "चिपकना" चाहिए।

किस बारे मेँ?

इस विषय पर हम पहले भी कई बार बात कर चुके हैं इसलिए ज्यादा गहराई में नहीं जायेंगे. हालाँकि, कृपया ध्यान दें कि तस्वीर का विचार और सामग्री दर्शकों, स्थान और समय के लिए उपयुक्त होनी चाहिए। इस मानदंड के अनुसार फोटोग्राफी का विश्लेषण करने के लिए, अजीब तरह से पर्याप्त है, शैली वर्गीकरण का उपयोग करना सुविधाजनक है: रिपोर्ताज, परिदृश्य, मैक्रो, मोनोकल, स्थिर जीवन, इरोटिका, पोर्ट्रेट ... यदि ऐसा हुआ है कि फॉर्म के लिए एक बहुत ही विशिष्ट रूपरेखा निर्धारित करता है सामग्री, हम इसका उपयोग करेंगे. शैली को परिभाषित करने के बाद, हम मोटे तौर पर इस सवाल का जवाब देते हैं कि फोटो किस बारे में है। यह स्पष्ट है कि शैलियों को मिश्रित किया जा सकता है, उदाहरण के लिए, सूर्यास्त की किरणों में समुद्र के दृश्य की पृष्ठभूमि में तैरती एक नग्न लड़की की तस्वीर, इरोटिका और परिदृश्य दोनों को संदर्भित करेगी। इसी प्रकार, प्रश्न का उत्तर "किस बारे में?" मिश्रित किया जाएगा - महिला शरीर की सुंदरता और प्रकृति की महानता के बारे में, सद्भाव और अस्तित्व की क्षणभंगुरता के बारे में ...

किस लिए?

कहां और कैसेतस्वीरें दिखाई जाएंगी? दो और अतिरिक्त प्रश्न जो प्रारंभिक विश्लेषण के चरण में महत्वपूर्ण हैं, लेकिन वे मुद्रण के लिए फोटो के प्रसंस्करण और तैयारी के चरण से अधिक संबंधित हैं। तथाकथित "स्वच्छ फोटोग्राफी" के समर्थकों को हमें माफ कर देना चाहिए, लेकिन प्रेस-पूर्व प्रसंस्करण, मुद्रण की तैयारी और स्वयं मुद्रण का बहुत महत्व है। हम सभी जानते हैं कि एक ही नकारात्मक से बहुत अलग तस्वीरें मुद्रित की जा सकती हैं। यह कोई संयोग नहीं है कि विंटेज सबसे मूल्यवान हैं - लेखक द्वारा व्यक्तिगत रूप से बनाए गए फोटो प्रिंट, यानी, पूरी तरह से लेखक की दृष्टि के अनुरूप हैं। डिजिटलीकरण ने अपना योगदान दिया है, और अब एक ही डिजिटल नकारात्मक से, अलग-अलग, अच्छी तरह से कैलिब्रेटेड फोटो प्रिंटर पर, आप पूरी तरह से समान प्रिंट प्राप्त कर सकते हैं। इसके अलावा, प्रक्रिया नियंत्रित हो गई है - मॉनिटर स्क्रीन पर आप लगभग वही देख सकते हैं जो प्रिंट पर निकलेगा। हम मुद्रण के लिए एक छवि तैयार करने के मुद्दे पर समर्पित रहेंगे, इसलिए अभी के लिए, हम खुद को एक साधारण टिप्पणी तक सीमित रखेंगे - एक तस्वीर का सही प्रसंस्करण दर्शक द्वारा इसकी धारणा में नाटकीय रूप से सुधार कर सकता है। प्रारूप और प्रदर्शन विधि भी उतनी ही महत्वपूर्ण है। ऐसी तस्वीरें हैं जो बिना किसी बदलाव के किसी भी प्रारूप में अच्छी होती हैं, लेकिन ज्यादातर मामलों में, आपको छवि के कंट्रास्ट और संतृप्ति को थोड़ा बदलना पड़ता है। कुछ तस्वीरें केवल बड़े प्रारूप में दिखती हैं, जबकि अन्य, जैसे पैनोरमा, पूरी तरह से गैर-मुद्रण वाली होती हैं। कुछ हद तक पारंपरिकता के साथ, प्रारूपों और प्लेसमेंट को निम्नानुसार वर्गीकृत किया जा सकता है:

1. छोटे प्रारूप के फोटो प्रिंट (10x15 सेमी या उससे कम) - एक फोटो एलबम में
2. स्क्रीन रिज़ॉल्यूशन फ़ोटो - इलेक्ट्रॉनिक रूप में प्रदर्शित करने के लिए
3. पत्रिका प्रारूप (A3-A4) - मुद्रण के लिए
4. गैलरी प्रारूप (ए2-ए3) - प्रदर्शनी प्रदर्शनी के लिए या इंटीरियर में
5. उच्च-रिज़ॉल्यूशन बड़े-प्रारूप मुद्रण - प्रदर्शनी प्रदर्शनी के लिए या इंटीरियर में
6. कम रिज़ॉल्यूशन वाले बैनर प्रिंटिंग (आउटडोर विज्ञापन)

आकार के अलावा, सब्सट्रेट भी मायने रखता है, यानी अंतिम परिणाम किस पर मुद्रित होता है। उदाहरण के लिए, गैलरी अभी भी डिजिटल प्रिंट लेने के लिए बहुत इच्छुक नहीं हैं, इसलिए गैलरी में अधिकांश काले और सफेद तस्वीरें पारंपरिक तरीके से मुद्रित की जाती हैं: सिल्वर हैलाइड फोटोग्राफिक पेपर पर फोटो एनलार्जर के साथ। मुद्रण के लिए इच्छित फ़ोटो को मुद्रण रंग पृथक्करण और रेखापुंज मुद्रण की प्रक्रिया की बारीकियों को ध्यान में रखते हुए विशेष तैयारी की आवश्यकता होती है। इलेक्ट्रॉनिक प्रतिनिधित्व फोटो पर अनुकूलता और स्पष्टता के लिए अतिरिक्त आवश्यकताएं लगाता है - छवि किसी भी मॉनिटर पर समान रूप से अच्छी दिखनी चाहिए (बेहतर, निश्चित रूप से, ठीक से कैलिब्रेटेड मॉनिटर पर)।

आइए अंततः तस्वीर के विश्लेषण के लिए सीधे आगे बढ़ें। हम चार प्रकार भेद करते हैं:

तकनीकी विश्लेषण,

भावनात्मक विश्लेषण,

अर्थ संबंधी विश्लेषण,

संरचनागत विश्लेषण.

तकनीकी विश्लेषण

इस प्रकार का विश्लेषण सर्वाधिक वस्तुनिष्ठ होता है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि आप अपने द्वारा खींचे गए चित्र से कितने भावनात्मक रूप से जुड़े हुए हैं, अगर उस पर नजरें तेज नहीं हैं, तो आप खुद को और दूसरों को विपरीत के बारे में समझाने में सक्षम नहीं होंगे। तकनीकी गुणवत्ता मानदंडों का एक काफी स्थिर सेट है जिसे एक छवि को पूरा करना होगा: तीक्ष्णता / धुंधलापन, एक्सपोज़र (चमक, कंट्रास्ट, डिप्स, ओवरएक्सपोज़र), रंग संतुलन, संतृप्ति, विवरण।

कुशाग्रता- तकनीकी गुणवत्ता का पहला मानदंड, या यूं कहें कि फ्रेम में तीक्ष्णता और धुंधलापन का संतुलन। धुंधलापन के मुख्य कारणों पर विचार करें।

1. फोकस की सटीकता: किसी तस्वीर में हमेशा विशेष महत्व के तत्व होते हैं। उन्हें आमतौर पर तेज़ होने की ज़रूरत होती है। यदि आप देखते हैं कि तीक्ष्णता वहां नहीं है जहां होनी चाहिए, लेकिन पास में है, तो आपके सामने एक शादी है।
2. क्षेत्र की सही गहराई का चयन: क्षेत्र की उथली गहराई एक सुंदर कलात्मक तकनीक है, लेकिन इसे सावधानी से संभालना चाहिए। उदाहरण के लिए, यदि दोहरे चित्र में एक चेहरा तीखा है और दूसरा थोड़ा धुंधला है, तो यह विवाह है।
3. "हिलाना" या "स्नेहन" - ये उत्साही शब्द फोटोग्राफरों की शब्दावली में इतनी दृढ़ता से स्थापित हो गए हैं कि वे लंबे समय तक शब्दों की श्रेणी में चले गए हैं। एक्सपोज़र के समय हिलने-डुलने के परिणामस्वरूप कंपन धुंधला हो रहा है। फोटो खींची जा रही वस्तुएँ, कैमरा या दोनों एक ही समय में चल सकते हैं। निःसंदेह, शटर गति जितनी लंबी होगी, धुंधली फोटो आने की संभावना उतनी ही अधिक होगी। क्षेत्र की उथली गहराई की तरह धुंधलापन एक प्रभावी कलात्मक तकनीक हो सकती है, लेकिन अक्सर इसकी उपस्थिति फोटोग्राफर के लिए बुरी खबर होती है।
4. छवि स्केल: ऐसा होता है कि 9x12 सेमी नियंत्रण प्रिंट काफी सहनीय दिखता है, लेकिन एक बार जब आप फोटो को एक पत्रिका शीट के आकार में बड़ा करते हैं, तो यह पता चलता है कि स्पष्ट रूप से पर्याप्त तीक्ष्णता नहीं है। छवि का पैमाना जितना बड़ा होगा, मूल नकारात्मक, स्लाइड या डिजिटल फ़ाइल की तीक्ष्णता के लिए आवश्यकताएँ उतनी ही सख्त होंगी, क्योंकि तीक्ष्णता विभिन्न घनत्वों के स्वरों के पृथक्करण की स्पष्टता से निर्धारित होती है। एक छोटी छवि पर, रेखा काफी तेज दिखाई दे सकती है, लेकिन जब ज़ूम इन किया जाता है, तो यह स्पष्ट हो जाता है कि यह काले और सफेद के बीच एक तेज सीमा नहीं है, बल्कि एक ग्रे बैंड है जिसमें टोन धीरे-धीरे काले से सफेद की ओर बदलता है।

फोटो 1.

निम्नलिखित उदाहरण पर विचार करें (फोटो 1):

आपके सामने एक तकनीकी रूप से जटिल और पेशेवर रूप से निष्पादित फोटो है। अधिकांश तकनीकी मानदंडों के अनुसार, तीक्ष्णता को छोड़कर, यह लगभग दोषरहित है। डायल को ध्यान से देखें: आठ से चार बजे का खंड बिल्कुल स्पष्ट है, लेकिन संख्या V, VI और VII थोड़ी धुंधली हैं। सिद्धांत रूप में, वहां की तीक्ष्णता एक चौथाई पृष्ठ के प्रिंट के लिए काफी है, लेकिन यह तस्वीर पूरे पृष्ठ के विज्ञापन के लिए अनुपयुक्त है। इस मामले में, समस्या क्षेत्र की अपर्याप्त गहराई के कारण उत्पन्न हुई, जो इस आवर्धन पर असामान्य नहीं है।

फोटो 2. "अच्छी पुरानी स्पोर्ट्स कार।" NIKON D70s, 1/60s, f/18, 138mm"

इस अच्छी पुरानी स्पोर्ट्स कार के उदाहरण में, आप स्नेहन देखते हैं जो न केवल स्वीकार्य है, बल्कि फायदेमंद भी है। "वायरिंग" शूटिंग के परिणामस्वरूप, चलती कार तेज हो गई, और छवि का स्थिर हिस्सा धुंधला हो गया। यह तकनीक गति, गति का भ्रम पैदा करती है।

प्रदर्शनी- तकनीकी गुणवत्ता का दूसरा मानदंड। एक पूरी तरह से खुला फ्रेम अधिकतम टोनल रेंज बताता है, यानी, विवरण छाया और हाइलाइट दोनों में दर्ज किए जाते हैं। इसके अलावा, पहचानने योग्य वस्तुओं की टोन सामग्री प्राकृतिक दिखती है, यानी, सफेद सफेद दिखता है, काला काला दिखता है, टैन्ड त्वचा टैन्ड दिखती है, और भूरे बाल जीवन की तुलना में न तो हल्के होते हैं और न ही गहरे होते हैं। पारंपरिक फोटोग्राफी में, प्रिंट का सही प्रदर्शन निर्धारित करना एक व्यक्तिपरक मामला था, क्योंकि छाया और हाइलाइट में विवरण को अलग करने की क्षमता दृश्य तीक्ष्णता पर निर्भर करती है। दूसरी ओर, डिजिटल फोटोग्राफी, एक छवि में टोन के वितरण का प्रतिनिधित्व करने वाले हिस्टोग्राम का उपयोग करके एक्सपोज़र का निष्पक्ष मूल्यांकन करना संभव बनाती है। हम पहले ही परिचयात्मक सामग्री में इस मुद्दे पर चर्चा कर चुके हैं और हम जानते हैं कि सही एक्सपोज़र का आकलन करने के लिए हिस्टोग्राम की बुनियादी विशेषताओं को समझना आवश्यक है।

ऐसा होता है कि प्रकाश की स्थिति सभी विवरणों को कैप्चर करने की अनुमति नहीं देती है। ऐसा तब होता है जब प्रकाश बहुत विपरीत हो और इसे संशोधित करने का कोई तरीका न हो। इस मामले में, फ़्रेम को छाया में या हाइलाइट्स में उजागर किया जाता है, यह इस पर निर्भर करता है कि टोनल स्पेक्ट्रम के किस हिस्से का त्याग किया जा सकता है। इस मामले में, हिस्टोग्राम के किसी एक भाग में विवरण की कमी कोई तकनीकी दोष नहीं होगी। प्रकाश के कंट्रास्ट को फोटोग्राफी के कंट्रास्ट से अलग करना आवश्यक है। प्रिंट का कंट्रास्ट न केवल प्रकाश की स्थिति पर निर्भर करता है, बल्कि प्रीप्रेस तैयारी की विधि, फोटोग्राफिक सामग्री की पसंद और विकास मोड पर भी निर्भर करता है। यदि फोटो बहुत विरोधाभासी है, तो इसका विवरण ख़राब है (जो कभी-कभी जानबूझकर किया जा सकता है), और यदि कंट्रास्ट कम है, तो प्रिंट "सुस्त", अनुभवहीन दिखाई देता है।

भले ही तीक्ष्णता और एक्सपोज़र अचूक हो, एक तस्वीर के तकनीकी रूप से अस्थिर होने के दो कारण हैं: प्रकाश और छाया पैटर्न की प्रकृति और संरचना। रचना का विषय इतना व्यापक है कि इसके लिए एक अलग पाठ्यक्रम समर्पित किया जाएगा, और हम प्रकाश-छाया पैटर्न के विश्लेषण के तत्वों पर चर्चा करेंगे।

प्रकाश-छाया पैटर्न की प्रकृतियह छवि की गहराई और आयतन है, दूसरे शब्दों में, त्रि-आयामीता का भ्रम पैदा करने की क्षमता। आइए चित्र में दी गई घड़ी पर वापस जाएँ। 1. इस बात पर ध्यान दें कि फ़्रेम की ऊपरी बाईं सुराख़ कैसे जलती है। अन्य तीन के विपरीत, यह पूरी तरह से सपाट, मात्रा से रहित लगता है। ऐसा इसलिए हुआ क्योंकि प्रकाश समतल से बिल्कुल लेंस में परावर्तित हो गया था - लगभग एक चमक निकली।

इसके अलावा, आपको इस बात पर भी ध्यान देना चाहिए कि इस छवि में लागू प्रकाश कठोरता की डिग्री कितनी उपयुक्त है। कठोर प्रकाश, अपने आप में कोई तकनीकी दोष नहीं हो सकता है, लेकिन इसके उपयोग से नरम प्रकाश की तुलना में त्रुटियाँ होने की संभावना अधिक होती है, क्योंकि इसे संभालना अधिक कठिन होता है। उदाहरण के लिए, फोटो 3 में, हार्ड इमेजिंग स्रोत की गलत सेटिंग के कारण दो गंभीर समस्याएं हुईं: बायीं आंख पर छाया थी, और नाक से परछाई होठों को पार कर गई थी।

सिद्धांत रूप में, यह नहीं कहा जा सकता कि यह बिल्कुल अस्वीकार्य है, लेकिन इस स्थिति में, यदि प्रकाश स्रोत बहुत नीचे स्थित होता तो परिणाम बहुत बेहतर होता। इसके अलावा, बहुत अधिक कंट्रास्ट के कारण हाथों, माथे और आंखों के नीचे की त्वचा लगभग सफेद हो जाती है। जैसा कि आप देख सकते हैं, फोटो में तीक्ष्णता की कमी है, लेकिन इस छवि आकार में, यह केवल करीब से निरीक्षण करने पर ही ध्यान देने योग्य है, जबकि प्रारूप की परवाह किए बिना प्रकाश संबंधी त्रुटियां ध्यान देने योग्य हैं।

रंग संतुलन और संतृप्तिये रंग की विशेषताएं हैं जो किसी तस्वीर की धारणा को प्रभावित करती हैं। फिल्म फोटोग्राफी में, आपको दिन के उजाले और कृत्रिम प्रकाश फिल्मों का सावधानीपूर्वक उपयोग करना पड़ता था, लेकिन फिर भी, प्राकृतिक रंगों को सुनिश्चित करने के लिए मुद्रण प्रक्रिया के दौरान रंग सुधार लागू किया जाता था। विभिन्न फिल्म निर्माताओं की अपनी-अपनी विशेषताएँ थीं - कोडक पीला हो गया, फ़ूजी हरा हो गया, और कोनिका ने नीला रंग दे दिया। शायद यही कारण है कि पोर्ट्रेट में कोडक सबसे लोकप्रिय था। डिजिटल फोटोग्राफी ने विशिष्ट परिस्थितियों के प्रकाश प्रवाह के वर्णक्रमीय घटक को समायोजित करते हुए, शूटिंग के दौरान सफेद संतुलन को बदलना संभव बना दिया। इसके अलावा, कोई भी फोटो संपादक आपको फोटो में रंग संतुलन और रंग संतृप्ति बदलने की अनुमति देता है। इसका सही उपयोग होना चाहिए. तस्वीरों की तुलना करें - "बरसात सूर्यास्त" (फोटो 4) और "बैलून फिएस्टा" (फोटो 5) - यह बिल्कुल स्पष्ट है कि रंग संतुलन और संतृप्ति यहां उचित रूप से भिन्न हैं।

फोटो 4. "बरसात सूर्यास्त।" कैनन ईओएस 5डी, कैनन ईएफ 28-300 एफ/3.5-5.6 एल आईएस यूएसएम

फोटो 5. "बैलून फिएस्टा"। कैनन ईओएस 5डी, कैनन ईएफ 28-300 एफ/3.5-5.6 एल आईएस यूएसएम

अंत में अंतिम बात - का ब्यौरा- वह सूक्ष्म तीक्ष्णता और दानेदार है, और डिजिटल फोटोग्राफी में - शोर। एक राय है कि उच्च विवरण और दाने या शोर की अनुपस्थिति छवि गुणवत्ता के लिए अपरिहार्य मानदंड हैं। वास्तव में, सब कुछ इतना सरल नहीं है. उदाहरण के लिए, शास्त्रीय परिदृश्य फोटोग्राफी में, वास्तुकला फोटोग्राफी में, या फोरेंसिक फोटोग्राफी में, विवरण अत्यंत महत्वपूर्ण है, और एक महिला चित्र में यह आमतौर पर अवांछनीय है। इसलिए, पोर्ट्रेट फ़ोटोग्राफ़र अक्सर छिद्रों, उम्र के धब्बों और छोटे निशानों जैसी परेशानियों से छुटकारा पाने के लिए विभिन्न युक्तियों और तरकीबों का सहारा लेते हैं। कुछ प्रकार की कलात्मक फोटोग्राफी में, वे आम तौर पर मुख्य भावनात्मक भार को टोनलिटी और प्रकाश-छाया पैटर्न में स्थानांतरित करने के लिए एक स्पष्ट छवि से दूर जाने की कोशिश करते हैं। इसलिए, विवरण और "स्वच्छता" (कोई शोर नहीं) का मूल्यांकन करते समय, आपको यह ध्यान रखना होगा कि फोटोग्राफर ने अपने लिए कौन सा कार्य निर्धारित किया है। साथ ही, यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि हर किसी की दृश्य तीक्ष्णता अलग-अलग होती है, लेकिन आपको "द्वीपवासियों" पर ध्यान केंद्रित करने की आवश्यकता है, जिसका अर्थ है कि यदि फोटोग्राफर की दृष्टि सौ प्रतिशत नहीं है, तो आपको चश्मा पहनना चाहिए।

शब्दार्थ विश्लेषण

"जितना कला जीवन का अनुकरण करती है, उससे कहीं अधिक जीवन कला का अनुकरण करता है।"
ऑस्कर वाइल्ड

चित्र की शब्दार्थ सामग्री का विश्लेषण करते समय, अपने आप से प्रश्न पूछें - "लेखक क्या कहना चाहता था?" - और फिर, - "क्या यह काम कर गया?" मैं आपको याद दिलाना चाहता हूं कि एक अच्छी तस्वीर आवश्यक रूप से सामान्य अवधारणाओं के साथ काम करती है: एक चित्रकार आंखों का नहीं, बल्कि एक नज़र का चित्रण करता है, एक परिदृश्य चित्रकार सूर्योदय का नहीं, बल्कि सुबह की ताजगी का चित्रण करता है, आदि। यह महत्वपूर्ण है कि कथानक की अस्पष्टता या अस्पष्टता कोई नुकसान न हो। विभिन्न व्याख्याएँ प्रस्तुत करते हुए, लेखक प्रत्येक दर्शक को कथानक पर अपने तरीके से सोचने का अवसर देता है। साथ ही, सामग्री इतनी स्पष्ट होनी चाहिए कि दर्शक छिपे हुए अर्थ को "उजागर" करने की प्रक्रिया में रुचि न खोएं, लेकिन इतना सीधा भी नहीं कि ऐसा न लगे कि लेखक कृपापूर्वक कथा को सरल बना रहा है, क्योंकि दर्शक प्रस्तुति के अधिक बौद्धिक स्वरूप में महारत हासिल करने में सक्षम नहीं है। सामग्री की प्रस्तुति के बारे में भी यही कहा जा सकता है: अत्यधिक सादगी से आदिमता का खतरा होता है, और दिखावटीपन से बेतुकेपन का खतरा होता है। चित्र में फोटो. 5 एक जटिल विषय के प्रकटीकरण में संक्षिप्त प्रस्तुति के प्रभावी उपयोग का एक उदाहरण है जो कई अलग-अलग व्याख्याओं की अनुमति देता है।

सिमेंटिक विश्लेषण प्रारंभिक विश्लेषण से सबसे अधिक निकटता से संबंधित है, चूंकि हम सामग्री के बारे में बात कर रहे हैं, हमें फिर से प्रश्न पर लौटने की जरूरत है - यह सामग्री किसकी ओर उन्मुख है। यह समझना महत्वपूर्ण है कि छवि आम तौर पर समझे जाने वाले, सार्वभौमिक मूल्यों को कितना आकर्षित करती है। कभी-कभी अलग-अलग लोगों को एक फोटो दिखाना और उनसे पूछना उपयोगी होता है कि वे क्या देखते हैं, कौन से संबंध पैदा होते हैं, फोटो किन भावनाओं को जागृत करता है। विशिष्ट प्रश्न पूछें: फोटो किस बारे में है, फ्रेम में मुख्य चीज़ क्या है, छवि के तत्वों के बीच क्या संबंध हैं, यह कितना संतुलित और स्थिर है। यदि दस दर्शकों में से कम से कम पांच ने समान उत्तर दिया, तो फोटो व्यापक दर्शकों के लिए समझ में आएगा।

भावनात्मक विश्लेषण

"वास्तव में, कला जीवन को नहीं, बल्कि दर्शक को प्रतिबिंबित करती है।"
ऑस्कर वाइल्ड

सभी प्रकार के विश्लेषणों में, भावनात्मक विश्लेषण शायद सबसे महत्वपूर्ण है। साथ ही, यह सबसे कम औपचारिक और सबसे अधिक व्यक्तिपरक है। भावनात्मक धारणा लगभग तात्कालिक होती है, इसलिए अक्सर, छवि को देखे बिना भी, हम पहले से ही इसके बारे में प्रारंभिक राय बना लेते हैं। मानदंड बहुत सरल हैं: पसंद करना, नापसंद करना, उदासीन छोड़ देना। आखिरी वाला शायद सबसे प्रतिकूल है। यदि फोटो स्पर्श न हो तो वह याद नहीं रहता, देखने वाले को उस पर लौटने की इच्छा नहीं होती। दूसरी ओर, यदि फोटो को सक्रिय रूप से नापसंद किया जाता है, तो यह जांचने योग्य है कि क्या यह खराब है। यहां प्रासंगिकता की कसौटी का उपयोग करना समझ में आता है। जब छवि का नकारात्मक भावनात्मक रंग अर्थपूर्ण (अर्थपूर्ण) घटक की सही व्याख्या में योगदान देता है, तो इसे काफी स्वीकार्य माना जा सकता है। इस स्तर पर, यह सोचने का कोई मतलब नहीं है कि छवि कुछ भावनाओं को क्यों जगाती है। मुख्य बात यह है कि अपनी भावनाओं को सुनें, यह समझने की कोशिश करें कि क्या फोटो ने आपका मूड बदल दिया है और क्या यह परिवर्तन सामग्री और लेखक के इरादे के लिए उपयुक्त है। अवचेतन भावना कि फोटोग्राफी में सब कुछ "एक साथ आ गया है" इंगित करता है कि इसमें भावनात्मक और अर्थ संबंधी घटकों के बीच सामंजस्य है। अक्सर, दृश्य सामंजस्य एक छवि को आंख को इतना सुखद बना देता है कि स्पष्ट तकनीकी समस्याएं भी इसे रोक नहीं पाती हैं।

भावनात्मक दृष्टिकोण से किसी तस्वीर का विश्लेषण करते समय, किसी को छवि द्वारा उत्पन्न वास्तविक अवचेतन भावनाओं को व्यक्तिगत अनुभवों से अलग करने का प्रयास करना चाहिए, खासकर जब बात आपके अपने काम की हो। उदाहरण के लिए, किसी पूर्व प्रेमी का चित्र, जिसने आपको छोड़ दिया है, प्रसन्न होने की संभावना नहीं है, हालाँकि, वस्तुनिष्ठ रूप से, यह बहुत अच्छा हो सकता है। या इसके विपरीत, यदि आपने इस बेंच पर पहली बार चुंबन किया है तो पार्क बेंच की एक साधारण तस्वीर भावनाओं का तूफान पैदा कर सकती है। साथ ही, ध्यान रखें कि केवल एक ही व्यक्ति वास्तव में इन भावनाओं को आपके साथ साझा कर सकता है। बाकियों की प्रतिक्रिया पूरी तरह वस्तुनिष्ठ मानदंडों पर निर्भर करती है।

यह समझना महत्वपूर्ण है कि अक्सर किसी तस्वीर का एक निश्चित भावनात्मक मूड कुछ तकनीकी मानदंडों के उल्लंघन से बनता है: गलत एक्सपोज़र, फ़्रेमिंग, फ़्रेम संरचना। इसलिए, भावनात्मक विश्लेषण के स्तर पर, किसी भी तकनीकी समाधान पर केवल उनके भावनात्मक प्रभाव की उपयुक्तता के संदर्भ में ही विचार किया जाना चाहिए। इसके अलावा, यह याद रखना चाहिए कि भावनात्मक धारणा की तात्कालिकता के कारण, दर्शक फोटोग्राफी के कारण होने वाली भावनाओं के प्रभाव में पहले से ही अर्थपूर्ण सामग्री को समझना शुरू कर देता है। इस प्रकार, भावनात्मक और अर्थ संबंधी घटकों की धारणा एक जटिल तरीके से होती है, और उनका अलग-अलग विश्लेषण करना काफी कठिन है। सामान्यतया, सही परिणाम प्राप्त करने के लिए, फोटो का विश्लेषण सभी मानदंडों के लिए एक साथ किया जाना चाहिए। साथ ही, किसी को यथासंभव निष्पक्ष रहने का प्रयास करना चाहिए, मूल्यांकन को प्रभावित करने के लिए तस्वीर में घटनाओं या उसके लेखक के प्रति व्यक्तिगत दृष्टिकोण की अनुमति नहीं देनी चाहिए।

रचना संबंधी विश्लेषण पर विचार नहीं किया गया है, लेकिन, सबसे पहले, एक अलग पाठ्यक्रम रचना के लिए समर्पित होगा, और दूसरी बात, हम रचना और रचना निर्माण के विश्लेषण में लगातार लगे रहेंगे। अत: इस व्याख्यान में हम इस पर अलग से विचार नहीं करते।

फ़ोटोग्राफ़र की त्रुटियाँ

आइए अब खुद को थोड़ा दोहराएं, और साथ ही सिद्धांत को अभ्यास से जोड़ें। फोटोग्राफर की गलतियाँ और, परिणामस्वरूप, फोटोग्राफी की कमियों को तीन समूहों में विभाजित किया जा सकता है:

तकनीकी

कम्पोजिट

- तकनीकीत्रुटियाँ: स्पष्टता, तीक्ष्णता, संतृप्ति, कंट्रास्ट ... ऐसी त्रुटियों का मुख्य कारण व्यावसायिकता की कमी या प्राथमिक अशुद्धि है - गलत तरीके से चयनित क्षेत्र की गहराई (डीओएफ), गलत एक्सपोज़र, जहाँ आवश्यक हो वहाँ तीक्ष्णता की कमी (खराब फोकस) , आंदोलन), परेशान रंग संतुलन ... ऐसी त्रुटियां तुरंत दिखाई देती हैं और, आम तौर पर बोलते हुए, आसानी से समाप्त हो जाती हैं। ऐसे मामलों के अपवाद के साथ जहां स्थान और समय का चयन करना असंभव है, और, परिणामस्वरूप, प्रकाश की स्थिति ... शूटिंग के लिए उद्देश्यपूर्ण रूप से अनुपयुक्त (अत्यंत कठिन) प्रकाश की स्थिति। उदाहरण के लिए, अत्यधिक गतिशील रेंज जो फ्रेम के कुछ हिस्सों में मौजूद है, या इसके विपरीत - अत्यंत सूक्ष्म टोनल बदलाव जिन्हें कैमरा पर्याप्त रूप से कैप्चर करने में असमर्थ है;

- compositionalत्रुटियाँ: असंतुलन, अनुभवहीनता, गतिशीलता की कमी और (या) परिप्रेक्ष्य, "कचरापन", विविधता का नुकसान ... यह समूह अधिक कठिन है - सभी त्रुटियाँ दिखाई नहीं देती हैं, हमेशा नहीं, कभी-कभी तुरंत नहीं, और इसके कारण हैं विविध. सबसे पहले, दिन का सही समय, शूटिंग बिंदु और कोण चुनना एक वस्तुनिष्ठ असंभवता है, जिससे "एक फ्रेम बनाना" संभव हो जाता है। दूसरे, रचना की अपर्याप्त रूप से विकसित भावना और अभिव्यंजक फ्रेम निर्माण के लिए रचना के तत्वों और साधनों का उपयोग करने में असमर्थता के कारण फ्रेम (फ्रेम) को सही ढंग से बनाने के लिए फोटोग्राफर की व्यक्तिपरक अक्षमता (कभी-कभी, सरल आलस्य)। तीसरा - प्राथमिक असावधानी - फोटोग्राफर कुछ विवरणों पर ध्यान नहीं दे सकता है, जिसकी उपस्थिति रचना को नष्ट कर देती है, या छवि को अवांछनीय अस्पष्टता देती है। दर्शक अधिक असावधान हो सकता है, लेकिन निश्चित रूप से इस "अप्रिय" विवरण पर ध्यान देगा। चौथा, सबसे कठिन बात यह समझने के लिए अनुभव और कल्पना की कमी है कि फोटोग्राफिक विमान में गुजरने पर चार-आयामी वास्तविकता कैसे बदल जाती है और शूटिंग के समय छवि, इतनी स्पष्ट रूप से "पढ़ी" कैसे बदल जाएगी ;

- सार्थक- सबसे महत्वपूर्ण बात विचारों और व्यक्तिपरकता की कमी है - चित्रकारों के बीच एक कहावत है: "हम वही लिखते हैं जो हम देखते हैं, और हम वही देखते हैं जो हम जानते हैं।" व्यक्तिगत जीवन का अनुभव हमें उन चीज़ों पर अधिक ध्यान देता है जो निकटतम और सबसे अधिक समझने योग्य या व्यक्तिपरक रूप से दिलचस्प हैं। इसलिए, किसी तस्वीर में कुछ संरचनात्मक और अर्थ संबंधी विवरणों पर ध्यान नहीं दिया जा सकता है या "कम करके आंका गया" हो सकता है, जबकि इसके विपरीत, अन्य को बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया जाएगा। इसके अलावा, एक तस्वीर बनाने की प्रक्रिया में, लेखक अनिवार्य रूप से उन घटनाओं का गवाह या भागीदार बन जाता है जो भावनात्मक प्रतिक्रिया का कारण बनते हैं - यह व्यक्तिगत अनुभव का एक हिस्सा है जो सीधे सामग्री के उस हिस्से से संबंधित है जो फोटो में नहीं आ सका, लेकिन लेखक द्वारा साहचर्यपूर्वक माना जाता है। इस प्रकार, जैसा कि हम पहले ही एक से अधिक बार कह चुके हैं, फोटोग्राफर और दर्शक फोटो को अलग-अलग तरह से देखते हैं और उसमें अलग-अलग चीजें देखते हैं।

एक अच्छी तस्वीर क्या है, यह प्रश्न पहली नज़र में सरल लगता है और इसके लिए अधिक विचार करने की आवश्यकता नहीं है। यह मौसम के बारे में बात करने जैसा है। आख़िर कोई यह नहीं सोचता कि किस तरह के मौसम को अच्छा कहा जाता है। अधिकांश का उत्तर होगा - जब सूरज चमक रहा हो और गर्म हो। कोई कहेगा: "जब हल्की हवा चलती है तो मुझे अच्छा लगता है।" तीसरे को मशरूम की गर्मियों की बारिश पसंद है। और हर कोई सही है! आख़िरकार, जैसा कि आप जानते हैं, प्रकृति का मौसम ख़राब नहीं होता!

फोटोग्राफी के साथ भी ऐसा ही है - यहां व्यक्तिपरक कारक एक बड़ी भूमिका निभाता है, क्योंकि भारी मामले में, ललित कला के उत्पाद के रूप में तस्वीर का मूल्यांकन नहीं किया जाता है, बल्कि उस पर क्या प्रदर्शित किया जाता है। इसलिए, वे कुछ तस्वीरों को पसंद करते हैं, वे दूसरों पर ध्यान भी नहीं देते हैं, उदाहरण के लिए, एक दोस्त के एल्बम के पन्ने, जहां बिमका का कुत्ता और स्कूल के प्रांगण में बेवकूफ बना रहे सहपाठी हमेशा के लिए जमे हुए हैं; कृषि टुकड़ी की तस्वीरें, जहां एल्बम का मालिक एक छात्र के रूप में गया था, और फ़्रेम जिसमें उसे कुछ लड़कियों के साथ कैद किया गया था।

विटोरियो एलिनारी. 1895.कई वर्षों तक, फ़ोटोग्राफ़रों को स्टूडियो या खुली हवा में गतिविधियों की नकल करने के लिए मजबूर किया गया था। ऐसा फोटोग्राफी की तकनीकी अपूर्णता के कारण हुआ - फोटोग्राफिक सामग्रियों की कम प्रकाश संवेदनशीलता।

अच्छी फोटोग्राफी के बारे में बातचीत कई वर्षों से एक विशेष छवि को ललित कला के पूर्ण कार्य के रूप में योग्य बनाने की क्षमता के साथ अटूट रूप से जुड़ी हुई है। यदि ऐसा नहीं हुआ, तो आलोचकों ने इसे केवल वास्तविकता के एक टुकड़े का पुनरुत्पादन माना। यह कहा जाना चाहिए कि फोटोग्राफी को ललित कला के मूल रूप के रूप में मूल्यांकन करने की समस्या कई वर्षों से तीखी चर्चा का विषय रही है।

आज, यह मुद्दा विवाद का कारण नहीं बनता है - दुनिया के सबसे बड़े संग्रहालयों के पास अपने स्वयं के फोटो संग्रह हैं, फोटोग्राफिक प्रदर्शनियां आगंतुकों की भीड़ इकट्ठा करती हैं, पुराने उस्तादों की तस्वीरें नीलामी में बहुत सारे पैसे में बेची जाती हैं, प्रसिद्ध फोटोग्राफरों के मोनोग्राफ ठोस रूप में प्रकाशित होते हैं संस्करण.

सौ साल पहले, स्थिति स्पष्ट रूप से भिन्न थी। फोटोग्राफी के समर्थक और विरोधी लगातार टकराव में थे, और फोटोग्राफिक रचनात्मकता के मूल्यांकन के मानदंड आज से बहुत दूर थे। और यहां तक ​​कि उन कुछ लोगों ने भी, जिन्होंने फोटोग्राफी को कला के देवालय में मामूली स्थान दिया, बहुत सख्त शर्तें रखीं जिनके तहत फोटोग्राफी को कला माना जा सकता था।

ललित कला का काम कहलाने का दावा करने वाले चित्र के लिए उन्होंने जो पहली शर्त रखी, वह पहली नज़र में असंभव थी: कला के सभी कार्यों की तरह, यह चित्र भी अद्वितीय होना चाहिए। समस्या तुरंत उत्पन्न हुई - एक तस्वीर, जिसकी निस्संदेह योग्यता प्रतिकृति की संभावना है, अद्वितीय कैसे हो सकती है?

दूसरे, उस पर लेखक के व्यक्तिगत कौशल की छाप पड़नी चाहिए थी, उसकी व्यक्तिगत शैली से अलग पहचान होनी चाहिए थी, उसमें कौशल स्पष्ट रूप से महसूस होना चाहिए था, संक्षेप में कहें तो फोटोग्राफर की "हस्तशिल्प" दिखाई देनी चाहिए थी। इसलिए, पहली तस्वीरें जिनके बारे में कला के कार्यों के रूप में बात की जाने लगी, वे वे थीं जिन्हें आज हम सचित्र तस्वीरें कहते हैं। अर्थात्, चित्र, जिनके लेखकों ने अपनी रचना के रचनात्मक सिद्धांत को उन प्रतिष्ठानों पर आधारित किया जो पारंपरिक प्रकार की ललित कला में मौजूद थे।

अन्ना ब्रिगमैन. 1907.सचित्र तस्वीर का एक उदाहरण. ऐसी तस्वीरों के लिए नामों का आविष्कार प्रतीकात्मक रूप से किया गया था। इस तस्वीर को "द सोल ऑफ़ ए डेड ट्री" कहा जाता है

19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ के फोटोग्राफरों ने उपरोक्त आवश्यकताओं को कैसे प्राप्त किया? उन्होंने एक ऐसा काम बनाने का मार्ग अपनाया जो सामान्य वृत्तचित्र फोटोग्राफी से यथासंभव अलग हो। इन मानदंडों का पालन करने वाले प्रकाश चित्रकारों ने फोटोग्राफिक छवि की प्राकृतिक दस्तावेजी प्रकृति को हर संभव तरीके से नष्ट कर दिया, परिणामस्वरूप "मानव निर्मित" छवि प्राप्त करने का प्रयास किया। इस तरह से प्राप्त प्रिंट को पूरी तरह से दोहराना असंभव था - यह वास्तव में अपने तरीके से अद्वितीय था। पोषित लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए सचित्र फोटोग्राफर के पास जाने के लिए क्या तरकीबें नहीं अपनानी पड़ीं!

सभी प्रकार के विकृत प्रकाशिकी, जिसने एक तस्वीर की दस्तावेजी सटीकता को नष्ट करना संभव बना दिया, एक नकारात्मक को संसाधित करने के असामान्य तरीके, एकमुश्त रीटचिंग तक, लेकिन मुख्य बात एक सकारात्मक प्रक्रिया के चरण में अंतहीन प्रयोग है - एक प्रिंट बनाना। वे अभी क्या लेकर नहीं आए ताकि शूटिंग का अंतिम उत्पाद एक साधारण फोटोग्राफिक शॉट जैसा न दिखे। विभिन्न, अब उन्हें वैकल्पिक मुद्रण विधियाँ कहा जाता है - "लोहा" और "प्लैटिनम", सभी प्रकार के रंगों, या यहां तक ​​​​कि पहले अज्ञात यौगिकों ने सामान्य प्रकाश-संवेदनशील सामग्री - चांदी के लवण को बदल दिया। रंगद्रव्य और प्लैटिनम मुद्रण, गोंद अरबी और तेल मुद्रण - स्थानांतरण के साथ ब्रोमोइल और ब्रोमोइल - उन वर्षों में रूस में विशेष रूप से लोकप्रिय थे, और, इसके अलावा, दर्जनों अन्य अब भूल गए मुद्रण तरीके।

समय लेने वाली, थकाऊ, हमेशा नहीं और तुरंत आपको वांछित परिणाम प्राप्त करने की अनुमति नहीं देती, उन्होंने रचनात्मकता और ... सुईवर्क के लिए लगभग अंतहीन गुंजाइश दी! जो लोग हस्तकला के रहस्य के प्रति समर्पित थे, जिसमें सामान्य ब्रोमाइड-सिल्वर प्रिंट से मौलिक रूप से कुछ अलग था, वे अनजाने में सामान्य फोटोग्राफरों के प्रति कृपालु होने लगे, जिनकी गतिविधियाँ, जैसा कि आप जानते हैं, केवल फोटोग्राफिक सामग्रियों की शूटिंग और प्रसंस्करण तक ही सीमित थीं। व्यंजनों द्वारा कड़ाई से निर्धारित तकनीक।

रुडोल्फ कोपिट्ज़. 1926.सचित्र फोटोग्राफी का एक और उदाहरण. एक असाधारण रूप से तैयार की गई तस्वीर, लेकिन विचार के मूल में निस्संदेह कुछ प्रतीकात्मक अर्थ हैं।

चित्रांकनकर्ताओं के कार्यों को, सामान्य फोटोग्राफिक प्रिंटों के विपरीत, कला के कार्यों के रूप में मूल्यांकन किया जाने लगा। हालाँकि, कला समीक्षकों ने कुछ लेखों में उनके बारे में लिखा, और संग्रहकर्ताओं ने, डरपोक होते हुए भी, ऐसे प्रिंटों की कीमत पूछनी शुरू कर दी, जो पेंटिंग और ग्राफिक्स की याद दिलाते हैं।

यह प्रक्रिया संयुक्त राज्य अमेरिका में विशेष रूप से जीवंत हो गई, जहां सचित्र फोटो कलाकारों ने अपनी पत्रिका प्रकाशित की, और नई कला के धनी प्रशंसकों ने बहुत सक्रिय रूप से उनके काम खरीदे, खासकर जब से अमेरिकी शौकिया फोटो कलाकार खुद बहुत अमीर लोग थे, और उनके लिए फोटोग्राफी थी, यद्यपि यह एक जुनूनी शौक है, परंतु यह उनकी दैनिक रोटी प्राप्त करने का कोई तरीका नहीं है।

चित्रकार उन साथी फ़ोटोग्राफ़रों के काम को ख़ारिज कर रहे थे जो फ़ोटोग्राफ़ी में "पारंपरिक अभिविन्यास" का पालन करते थे और प्रिंट मीडिया के पन्नों पर प्रस्तुत की गई डॉक्यूमेंट्री फ़ोटोग्राफ़ी पर बिल्कुल भी ध्यान नहीं देते थे। यह टकराव कभी-कभी खुले झगड़े का रूप ले लेता था - विशेष रूप से यहां रूसी फोटो कलाकार असंगत निर्णय लेने के इच्छुक थे।

1912 में, सेंट पीटर्सबर्ग में, कला के प्रोत्साहन के लिए सोसायटी के हॉल में, एक बड़ी अखिल रूसी फोटोग्राफिक प्रदर्शनी खोली गई, जिसमें बड़ी संख्या में घरेलू फोटोग्राफरों के काम, नई तकनीक और फोटोग्राफिक सामग्री प्रस्तुत की गई। शाही परिवार के प्रतिनिधि, ग्रैंड ड्यूक मिखाइल अलेक्जेंड्रोविच, जो फोटोग्राफी के एक महान प्रेमी थे, ने इस प्रदर्शनी को खोलने का निर्णय लिया। प्रदर्शनी के लिए कार्यों का चयन बहुत लोकतांत्रिक था - प्रदर्शक ने कब्जे वाले स्थान के लिए भुगतान किया और वह लगभग हर चीज प्रदर्शित कर सकता था जिसे वह जनता के सामने प्रस्तुत करने के योग्य समझता था। इसलिए, पेशेवर, जिनके लिए यह अपनी गतिविधियों का विज्ञापन करने और संभावित ग्राहकों का ध्यान आकर्षित करने का एक अच्छा तरीका था, उन्होंने लागतों पर कंजूसी नहीं की और यथासंभव अधिक से अधिक तस्वीरें दिखाने का प्रयास किया। शौकिया, और चित्रकारों में वे बहुसंख्यक थे, एक नियम के रूप में, ज्यादा जगह नहीं ले सकते थे, और उन्हें सीमित प्रदर्शनी क्षेत्र के साथ संतुष्ट होने के लिए मजबूर होना पड़ा, लेकिन उनके स्टैंड तस्वीरों को प्रस्तुत करने के एक लाभप्रद रूप से प्रतिष्ठित थे - उत्कृष्ट पासपोर्ट के लिए सावधानीपूर्वक चयनित फ्रेम।

फिलिप हल्समैन. 1948.साल्वाडोर डाली का एक असामान्य चित्र बनाने के लिए, फोटोग्राफर को कई सहायकों की मदद का सहारा लेना पड़ा। इस चित्र को "डाली एटॉमिकस" कहा जाता है, जो कलाकार की पेंटिंग "एटॉमिक लेडा" ("लेडा एटमिका") का संदर्भ है (उस समय अधूरी पेंटिंग, दाईं ओर दिखाई देती है)। हम कह सकते हैं कि "डाली एटोमिकस" फोटोग्राफी में अतियथार्थवाद का एक उदाहरण है। तस्वीर पर काम में छह घंटे लगे, डाली को 28 बार छलांग लगानी पड़ी। प्रत्येक टेक के बाद, फोटोग्राफर एक अंधेरे कमरे में चला गया और फिल्म विकसित की, और सहायकों ने स्टूडियो की सफाई की, बिल्लियों को पकड़ा और शांत किया। जल्द ही फोटोग्राफर वापस आया और अपराधबोध से कहा: "ठीक है, एक और टेक" और सब कुछ शुरू से दोहराया गया ...

मेट्रोपॉलिटन प्रेस ने प्रदर्शनी के बारे में बहुत कुछ और अनुकूल तरीके से लिखा। लेकिन विशेष पत्रिकाएँ, विशेष रूप से वे जो खुद को "वास्तविक कला" का चैंपियन मानते थे, और इसलिए सचित्र फोटोग्राफी, "वृत्तचित्र" पर काफी हद तक निर्भर थे। इस संबंध में विशेषता उन वर्षों के जाने-माने कीव फ़ोटोग्राफ़र निकोलाई पेत्रोव की समीक्षा थी, जो फ़ोटोग्राफ़ी पर अक्सर लिखते थे। अपने दृष्टिकोण से, प्रदर्शनी के सभी सकारात्मक पहलुओं - प्रदर्शनी की विविधता, प्रस्तुत लेखकों के भूगोल की व्यापकता - को ध्यान में रखते हुए और कई फोटो कलाकारों की प्रशंसा करते हुए, उन्होंने रिपोर्टर के काम को प्रस्तुत करने वाले वृत्तचित्र फोटोग्राफरों पर हमला किया। महानगरीय मास्टर कार्ल कार्लोविच बुल्ला, जिन्हें समीक्षक ने "एक ठंडा कारीगर" कहा, को विशेष रूप से यह मिला। आगे देखते हुए, यह कहने लायक है कि कई चित्रकार, जिनके बारे में एक लंबे समय के समीक्षक ने अनुकूल रूप से लिखा था, आज व्यावहारिक रूप से भुला दिए गए हैं, और समीक्षक के अनुसार, "किसी भी प्रकार की कलात्मकता" की अनुपस्थिति के बावजूद, बुल्ला के वृत्तचित्र शॉट्स जीवित हैं। काम करता है.

सदियों पुराने विवाद "क्या फोटोग्राफी कला है" में, इसके विरोधियों ने हमेशा एक ठोस तर्क का इस्तेमाल किया है, जो बताता है कि, पारंपरिक ललित कलाओं के विपरीत, फोटोग्राफी में "सुई के काम" के लिए कोई जगह नहीं है, जिसकी प्रक्रिया में एक काम होता है। बनाया था। समय के साथ, फोटोग्राफी को रेखांकित करने वाले रचनात्मक कार्य की बारीकियों का एहसास हुआ - यह चयन के रूप में सामने आया। स्थिति का चयन, वस्तुओं की शूटिंग, उसी क्षण का चयन जो शूटिंग वस्तु के बारे में लेखक के विचार को सबसे अच्छी तरह से प्रतिबिंबित करता है, आसपास की वास्तविकता के बारे में बताने का पर्याप्त तरीका खोजने की क्षमता। इस प्रकार, रचनात्मक कार्य स्पष्ट रूप से फोटो लैब से सीधे शूटिंग स्थान पर स्थानांतरित हो गया।

पीसैट लेर्स्की। 1929.चेहरे का क्लोज़-अप और प्राकृतिक बनावट बीस के दशक के फोटोग्राफिक चित्रों की खासियत है। यह शैली विशेष रूप से सोवियत फोटोग्राफी की विशिष्ट है।

बीसवीं सदी के बीस और तीस के दशक फोटोग्राफी में तूफानी और बहुत उपयोगी खोजों का समय था। यह "प्रत्यक्ष" फ़ोटोग्राफ़ी की वापसी है, जब वास्तविकता अपनी सभी विविधता में शूटिंग का विषय बनी रहती है, और कलाकार फ़ोटोग्राफ़र केवल अपने आस-पास की दुनिया को नए तरीके से दिखाने के लिए प्रयोग करते हैं। परिचित चीजों को दिखाने के अप्रत्याशित रूप की खोज - असामान्य कोण, वस्तुओं की नई भौतिकता को पकड़ने की इच्छा, - रोजमर्रा की वस्तुओं के स्थूल जगत का विकास, स्पष्ट बनावट के साथ बेहद करीब से चित्रों की शूटिंग - यह सब विशिष्ट है विभिन्न देशों में कई उस्तादों के काम का।

साथ ही, सामाजिक मुद्दों में रुचि भी बढ़ रही है - फोटोग्राफी न केवल वास्तविकता को तय करने वाली बन जाती है, बल्कि शूटिंग के लिए सामग्री के चयन से, यह जनता का ध्यान कुछ समस्याओं पर केंद्रित करने की कोशिश करती है, जिससे यह पता चलता है कि क्या है दुनिया में हो रहा है.

"इसका मतलब यह है कि, अपनी प्रकृति से, फोटोग्राफरों के बीच चयन प्रक्रिया का उद्देश्य सामग्री की मनमानी व्याख्या की तुलना में उसकी सामग्री को प्रकट करना अधिक है,- फोटोग्राफी की प्रकृति के शोधकर्ताओं में से एक, सिगफ्रीड क्राकाउर लिखते हैं। - फ़ोटोग्राफ़र, शायद, एक विचारशील, कल्पनाशील पाठक की तरह है, जो किसी समझ से बाहर पाठ के अर्थ को हठपूर्वक खोज रहा है।और, बीसवीं सदी की शुरुआत के सबसे प्रतिभाशाली मास्टरों में से एक, एडवर्ड वेस्टन के अनुसार, कैमरा "आपको चीजों की प्रकृति को गहराई से देखने और एक फोटोग्राफिक छवि में उनके वास्तविक सार को प्रकट करने की अनुमति देता है।"

शूटिंग के लिए वस्तुओं का चयन फोटोग्राफी की प्रक्रिया में निर्णायक हो जाता है, और प्रयोगशाला प्रसंस्करण पृष्ठभूमि में फीका पड़ जाता है, एक आवश्यक तकनीकी प्रक्रिया से अधिक कुछ नहीं रह जाता है। श्रम का एक निश्चित विभाजन भी है: एक फोटोग्राफर- "किराएदार" और एक फोटोलैबोरेटर-प्रिंटर।

इस संबंध में संकेत हेनरी कार्टियर-ब्रेसन का फोटोग्राफी के प्रति दृष्टिकोण है, जो शायद 20वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध फोटोग्राफर हैं।

हेनरी कार्टियर-ब्रेसन। 1951.सफ़ेद दस्ताने तस्वीर का मुख्य सचित्र तत्व हैं, लेकिन तस्वीर के निर्विवाद रूप से उत्कृष्ट रूप के पीछे एक जटिल मनोवैज्ञानिक कथा छिपी हुई है। उन लोगों के लिए जो नहीं जानते: चश्मे वाला एक आदमी - फिर भी एक युवा, लेकिन पहले से ही फैशनेबल फोटोग्राफर रिचर्ड एवेडन

ब्रेसन "हस्तशिल्प" से और भी दूर चले गए - उन्होंने मूल रूप से प्रयोगशाला में काम नहीं किया: उन्होंने फिल्में विकसित नहीं कीं और चित्र नहीं छापे - यह सब दूसरों द्वारा किया जा सकता है। इस संबंध में उन्होंने टिप्पणी की: “एक शिकारी के रूप में, मुझे शिकार करना पसंद है, लेकिन मुझे शिकार पकाना पसंद नहीं है। यह एक और पेशा है!”प्रिंट करने के लिए नकारात्मक देते हुए, उन्होंने प्रयोगशाला सहायक से एक चीज़ की मांग की: “केवल वही प्रिंट करें जो नकारात्मक पर है! कोई फ़्रेमिंग नहीं, कोई सुई का काम नहीं".

उनकी राय में, एक तस्वीर उस समय बनती है जब फोटोग्राफर शटर दबाता है।

यह रचनात्मक कार्य है - "निर्णायक क्षण" का चुनाव और सही समय पर ट्रिगर खींचने की क्षमता। "द डिसीसिव मोमेंट" नामक एल्बम के संपादक उन्हें किसी तरह इस बारे में सोचने पर मजबूर कर देंगे। वह एल्बम जिसने उन्हें पूरी दुनिया में मशहूर बना दिया और कई लोगों को फोटोग्राफी में अपना रास्ता चुनने में मदद की। ब्रेसन पारंपरिक अर्थों में एक दार्शनिक या सिद्धांतकार नहीं हैं, लेकिन अपने सभी कार्यों के साथ उन्होंने कुछ निश्चित सिद्धांत तैयार किए, जिन्होंने प्रत्यक्ष रचनात्मक फोटोग्राफी के अस्तित्व को निर्धारित किया। "दुनिया में हर चीज़ का एक निर्णायक क्षण होता है"- एक बार एक ने कहा था अब भूल गए कार्डिनल।

हेनरी कार्टियर-ब्रेसन। 1968."हिप्पोड्रोम" शॉट फोटोग्राफर की सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक स्थिति को आश्चर्यजनक रूप से सुरुचिपूर्ण रूप में व्यक्त करने की अद्भुत क्षमता की एक और पुष्टि है।

फोटोग्राफर ने अपने पूरे रचनात्मक जीवन में इन "निर्णायक क्षणों" को पकड़ा और कैद किया। ऐसा करते हुए, उन्होंने विशेष रूप से "सुंदर" तस्वीरें बनाने के बारे में कभी नहीं सोचा था, लेकिन उन्होंने हमेशा स्थिति के सार को पकड़ने की कोशिश की, और अगर वह इसमें सफल हो गए, तो तस्वीर अनिवार्य रूप से सुंदर बन जाएगी। आख़िरकार, एक अच्छी तस्वीर वास्तविकता के एक टुकड़े की एक दस्तावेजी छवि है, जो चित्रित स्थिति के लिए सौंदर्य की दृष्टि से पर्याप्त है और इससे अधिक कुछ नहीं। फोटोग्राफी में, वास्तव में, किसी भी अन्य कला की तरह, रूप केवल सामग्री को व्यक्त करने का एक तरीका है। और यदि कोई कार्य केवल रूप के लिये किया जाय तो वह कार्य पूरा नहीं हो सकता।

यही कारण है कि बाख, रेम्ब्रांट और शेक्सपियर शाश्वत हैं, और कई कलाकार अपने समय तक जीवित नहीं रहे - वे क्षणिक "फैशनेबल" सौंदर्यवादी दृष्टिकोण के बंदी थे, और सामग्री की तुलना में रूप उनके लिए अधिक महत्वपूर्ण था।

मैं आशा करना चाहूंगा कि ब्रेसन की तस्वीरें हमेशा जीवित रहेंगी, क्योंकि उनमें कोई विचार-विमर्श नहीं है, ऐसा कुछ भी नहीं है जो जनता को पसंद आए और आप चिल्लाएं: "आह, यह कैसे किया जाता है?!!!"वे बेहद सरल हैं, उन पर चित्रित दृश्यों की तरह, और इसलिए एक समय में कई लोग उनकी तस्वीरों से गुज़रे, क्योंकि वे जीवन में घूमते हैं, यह नहीं देखते कि फ़ोटोग्राफ़र की नज़र किस चीज़ पर रुकती है, फ़ोटोग्राफ़िक की शीट पर एक निश्चित "दूसरी वास्तविकता" को फिर से बनाते हुए कागज, जिसके माध्यम से हम अपने आसपास की दुनिया को बेहतर ढंग से समझते हैं।

समय ने दिखाया है कि वह गलत था - उसके पास ऐसी तस्वीरें नहीं थीं।

20वीं शताब्दी के मध्य तक, सिद्धांतकारों ने, प्रजनन प्रकार की रचनात्मकता की विशेषताओं और विशिष्टताओं पर विचार करते हुए, अंततः इस तथ्य का एहसास किया कि एक या दूसरे प्रकार की रचनात्मकता केवल तभी पूर्ण हो सकती है जब वह गुणों की विशेषता को पूरी तरह से महसूस करती है। इस विशेष प्रकार की रचनात्मकता का। प्रकार की रचनात्मकता।

जाने-माने फिल्म सिद्धांतकार सिगफ्रीड क्राकाउर ने अपनी पुस्तक द नेचर ऑफ फिल्म में, फोटोग्राफिक रचनात्मकता के विकास के ऐतिहासिक विश्लेषण के आधार पर, एक बहुत ही सटीक उपशीर्षक "भौतिक वास्तविकता का पुनर्वास" के साथ, जिसे उन्होंने लाक्षणिक रूप से "प्राकृतिक प्रवृत्तियों" कहा है, तैयार किया है। "फोटोग्राफी का. पुस्तक के लेखक के अनुसार, उनमें से चार हैं:

"पहला। फ़ोटोग्राफ़ी स्पष्ट रूप से अस्थिर वास्तविकता की ओर बढ़ती है। चित्र वास्तव में फोटोग्राफिक होते हैं जब वे भौतिक वास्तविकता को उस अछूते रूप में पुन: पेश करने के लेखक के इरादे को महसूस करते हैं जिसमें वह उसके बाहर मौजूद है ...

दूसरा। अस्थिर वास्तविकता के प्रति फोटोग्राफी का आकर्षण आकस्मिक, यादृच्छिक और अप्रत्याशित तत्वों पर जोर देने की प्रवृत्ति को निर्धारित करता है। यादृच्छिक घटनाएँ तस्वीरों के लिए सबसे अच्छा भोजन हैं...

तीसरा। तस्वीरें अपूर्णता, अनंतता की भावना व्यक्त करती हैं, जो यादृच्छिकता के तत्वों पर जोर देने से उत्पन्न होती हैं, जो तस्वीर में... पूरी तरह से अधिक आंशिक रूप से कैप्चर की जाती हैं। कोई भी फोटो तभी अच्छा होता है जब वह सम्पूर्णता का आभास न छोड़े। एक फोटो फ्रेम का फ्रेम केवल उसकी सशर्त सीमाएँ हैं; इसकी सामग्री फ़्रेम के बाहर जो रहती है उसकी सामग्री से संबंधित है; उनकी रचना कुछ समझ से बाहर की बात करती है - भौतिक अस्तित्व की...

चौथा और आखिरी. फ़ोटोग्राफ़ी अनिश्चित सामग्री, अर्थ संबंधी अस्पष्टता की भावना व्यक्त करती है..."

हेनरी कार्टियर-ब्रेसन। 1969."चुंबन"। ब्रेसन के कार्यों में, स्थिति का चरम हमेशा कैद होता है - "निर्णायक क्षण"। और लगभग हमेशा यह न केवल स्वयं क्रिया होती है, बल्कि उसके प्रति पर्याप्त प्रतिक्रिया भी होती है।

इन सच्चाइयों के बारे में सहज जागरूकता, जो फोटोग्राफरों और उसके उपभोक्ताओं के एक निश्चित हिस्से दोनों के दिमाग में तेजी से जड़ें जमा रही है, ने फोटोग्राफी को अनौपचारिक रूप से दो बड़े क्षेत्रों में विभाजित करने की एक प्राकृतिक प्रक्रिया को जन्म दिया है: "प्रत्यक्ष" फोटोग्राफी, जो है आस-पास की वास्तविकता के प्रत्यक्ष निर्धारण के आधार पर और "बनाया गया" (संगठित, वैचारिक, आदि - नाम अनिश्चित है)। ब्रेसन ने कहा: "सभी फोटोग्राफरों को दो श्रेणियों में विभाजित किया गया है: कुछ तस्वीरें लेकर आते हैं, अन्य जीवन का अवलोकन करते हैं। मैं दूसरे से संबंधित हूं।" स्वाभाविक रूप से, फोटोग्राफी के विभिन्न क्षेत्रों के लिए मूल्यांकन मानदंड अलग-अलग हो जाते हैं।

जहाँ तक "निर्मित" फ़ोटोग्राफ़ी का सवाल है, चूँकि इस प्रकार की फ़ोटो-रचनात्मकता का फ़ोटो पत्रकारिता से बहुत सापेक्ष संबंध है, हम इसके आकलन का विश्लेषण भविष्य के लिए छोड़ देंगे, और "प्रत्यक्ष" फ़ोटोग्राफ़ी पर ध्यान केंद्रित करेंगे।

पूर्वगामी से, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि फोटोग्राफी के मूल्यांकन के मानदंड उन विचारों के आधार पर बनाए जाने चाहिए जो एक प्रकार की ललित कला के रूप में फोटोग्राफी के विकास की ऐतिहासिक प्रक्रिया के दौरान बनते हैं। चूँकि फोटोग्राफी रचनात्मकता का एक प्रजनन रूप है, जो प्रौद्योगिकी पर आधारित है, बाद की तकनीकी संभावनाओं का, निश्चित रूप से, कभी-कभी फोटोग्राफी के मूल्यांकन पर ध्यान देने योग्य प्रभाव पड़ा, और कभी-कभी उन्हें पूरी तरह से भुला दिया गया।

डागुएरे. 1838.बुलेवार्ड डू टेम्पल. शहरी परिदृश्य की पहली फोटोग्राफिक छवियों में, लोग दिखाई नहीं देते - लंबे एक्सपोज़र ने चलती वस्तुओं को ठीक करने की अनुमति नहीं दी। यह तस्वीर अनूठी है - नीचे बाईं ओर थोड़ी धुंधली मानव आकृति है। जैसा कि आप समझते हैं, उस समय पेरिस में बुलेवार्ड इतना सुनसान नहीं था।

उदाहरण के लिए, डगुएरियोटाइप्स - पहली फोटोग्राफिक छवियां - में कई खामियां थीं। उनमें से एक यह था कि तस्वीर में छवि उलटी प्रतिबिंबित हुई, जबकि हर चीज ने अपना स्थान बदल दिया। किसी भूदृश्य का चित्रण करते समय, उसका दाहिना भाग बायाँ हो गया और इसके विपरीत। लेकिन इससे किसी को कोई परेशानी नहीं हुई, क्योंकि अधिकांश दर्शक इलाके को मूल रूप में नहीं देख सके और इस त्रुटि पर ध्यान नहीं दिया। लेकिन एक चित्र के मामले में, दाहिना हाथ बाईं ओर था, और बायां दाईं ओर था। दर्शक इस विवरण पर ध्यान नहीं दे सका। लेकिन जब चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की छवि पर कुछ विवरण दिखाई देते हैं, जिसका स्थान सख्ती से परिभाषित किया गया था - उदाहरण के लिए, पुरुषों और महिलाओं के कपड़ों पर बटनों की अलग-अलग स्थिति, आदेश और समान विशेषताएं जिनके लिए उन्हें पहनने के स्थिर नियम थे, और अन्य विवरण - यह, निश्चित रूप से, असंभव है, इस पर ध्यान नहीं दिया गया। उन्हें जल्द ही इसकी आदत हो गई, जैसे उन्हें दर्पण में अपना प्रतिबिंब देखने की आदत होती है। और इस दोष को हल्के में लिया जाने लगा।

कुछ ऐसा ही मामला वेट कोलोडियन युग की टाइपो त्रुटियों के साथ था, जिस पर व्यावहारिक रूप से बादलों पर काम नहीं किया गया था, यही कारण है कि लैंडस्केप शॉट्स में आकाश सफेद रह गया था। छवि की इस पारंपरिकता को स्वीकार करते हुए भी किसी ने ध्यान नहीं दिया।

इस समय की तस्वीरों में ग्रह पर सबसे अधिक आबादी वाले शहरों की सड़कें भी ज्यादातर मामलों में सुनसान हो जाती हैं - लंबे एक्सपोज़र के दौरान, फोटोग्राफिक प्लेटों पर चलती आकृतियाँ तय नहीं की गईं, केवल कभी-कभी धुंधली रूपरेखाएँ छोड़ दी गईं। और इससे वास्तव में किसी को कोई परेशानी भी नहीं हुई। ये एक प्रकार के "खेल के नियम" थे, जिन्हें दर्शकों ने बिना किसी आपत्ति के स्वीकार कर लिया।

डाल्टन. 1988.मानव आँख के पास जो देखने का समय नहीं है उसे कैद करने की फोटोग्राफी की क्षमता अद्भुत है। किसने सोचा होगा कि यह तेंदुआ मेंढक इतना सुंदर हो सकता है।

पहले वर्षों में, कई वस्तुओं की फोटोग्राफिक छवि के तथ्य ने प्रशंसा जगाई - दर्शक पहले कई वस्तुओं की एक वृत्तचित्र सटीक छवि नहीं देख पाए थे जो उनके सीधे संपर्क के क्षेत्र से बाहर थे। उदाहरण के लिए, एक दर्शक जिसने कभी हाथी नहीं देखा था वह उसकी छवि की प्रशंसा कर सकता था, और अधिकांश निवासी, जिन्होंने मक्खी या मच्छर को करीब से नहीं देखा था, उनकी स्थूल छवियों पर आश्चर्यचकित थे। वह आसपास की दुनिया की सार्वभौमिक फोटो-इन्वेंट्री का युग था। और अक्सर तब छवि के सौंदर्य संबंधी गुणों का मूल्यांकन नहीं किया जाता था, बल्कि उसकी प्राप्ति के तथ्य का मूल्यांकन किया जाता था।

प्रौद्योगिकी के आगे विकास - नकारात्मक सामग्री की प्रकाश संवेदनशीलता में वृद्धि, शटर के आविष्कार - ने आंदोलन को ठीक करना संभव बना दिया। इस तरह "तत्काल फोटोग्राफी" प्रकट हुई - एक समय में इस तरह के हस्ताक्षर फोटोग्राफिक पत्रिकाओं में चित्रों के तहत पाए जा सकते थे जो गतिशीलता में स्थितियों को चित्रित करते थे। अंग्रेजी में, तब स्थिर शब्द "स्नैप शॉट" दिखाई दिया, जो इस प्रकार की फोटोग्राफिक छवि को दर्शाता था। सबसे पहले, ऐसी तस्वीरों को जिज्ञासा से ज्यादा कुछ नहीं माना जाता था, और, एक नियम के रूप में, उन्हें छोटे पोर्टेबल कैमरों का उपयोग करके शौकिया फोटोग्राफरों द्वारा लिया गया था। इन उपकरणों द्वारा प्राप्त छवियों की गुणवत्ता वांछित नहीं थी, लेकिन ऐसी छवियां बहुत स्वाभाविक निकलीं, क्योंकि उन्होंने गति में जीवन को कैद किया था।

एक नए तकनीकी सुधार ने फोटोग्राफी की प्रकृति को बदल दिया और इसकी संभावनाओं का काफी विस्तार किया - रिपोर्ताज फोटोग्राफी का जन्म हुआ।

मार्सी क्रुल. 1926.एक असामान्य कोण 1920 और 1930 के दशक की अवंत-गार्डे फोटोग्राफी का एक अभिन्न गुण है। वस्तुओं की यह दृष्टि काफी हद तक सुविधाजनक पोर्टेबल कैमरों और प्रकाश-संवेदनशील फोटोग्राफिक सामग्रियों की उपस्थिति से सुगम हुई, जिन्हें शूट करने के लिए तिपाई की आवश्यकता नहीं होती है।

अपने निरंतर परिवर्तन की प्रक्रिया में आसपास की वास्तविकता को पकड़ने की क्षमता ने फोटोग्राफी में क्रांति ला दी है - अब से यह अपने "प्राकृतिक झुकाव" को महसूस करने में सक्षम हो गया है, जिसके बारे में हमने ऊपर बात की थी। यह तत्काल फोटोग्राफी थी जिसने मानव जाति को वह सब कुछ देखने की अनुमति दी जिस पर उसने अब तक ध्यान नहीं दिया था। वैज्ञानिकों को तेज़ प्रक्रियाओं को ठीक करने के लिए एक उपकरण प्राप्त हुआ है, और कलाकारों ने अंततः क्षणिक स्थितियों की सुंदरता पर ध्यान दिया है जिन्हें वे अभी तक नहीं देख सके थे। आविष्कृत मंचीय कथानकों के बजाय, फोटोग्राफी ने जीवन को उसकी सारी विविधता और प्रकृति में दिखाना संभव बना दिया। और यदि पारंपरिक ललित कला के मूल्यांकन में उपयोग किए जाने वाले मानदंड किसी तरह अभी भी पूर्व स्थैतिक प्रकाश चित्रकला के लिए उपयुक्त थे, तो नई तस्वीर का मूल्यांकन एक नए तरीके से किया जाना था।

इसके अलावा, यदि पहले फोटोग्राफी मुख्य रूप से एक दृश्य माध्यम थी, तो इसकी नई संभावनाओं ने छवि की कथात्मक संभावनाओं को उजागर किया। यही कारण है कि फोटोग्राफी पत्रकारिता में खुद को महसूस करने का सबसे सक्रिय तरीका बन गया है। सबसे पहले, उसने केवल पाठ्य सामग्री का चित्रण किया, लेकिन जल्द ही यह पता चला कि उसके पास एक स्वतंत्र सूचनात्मक क्षमता भी थी। एक संक्षिप्त टिप्पणी के साथ प्रदान की गई एक तस्वीर, सूचना का एक स्वतंत्र वाहक बन गई। जानकारी दृश्यात्मक, दस्तावेजी सटीक और आलंकारिक है, जिसने इसे विशेष रूप से विश्वसनीय बना दिया है। यह तस्वीरों की एक श्रृंखला में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, जो एक छवि के विपरीत, अपने आप में एक प्रकार का सचित्र भाषण बन गया।

हैमरस्केल्ड। 1965.सब कुछ आधुनिक फोटोग्राफी के अधीन है। या लगभग सब कुछ. किसी भी स्थिति में, यह एक असाधारण आंदोलन को कायम रख सकता है।

उपरोक्त सभी हमें पहले से ही यह दावा करने की अनुमति देते हैं कि फोटोग्राफी की संभावनाएं न केवल ललित कला के कार्यों की रचनात्मक क्षमता से आगे निकल गईं, बल्कि मूल रूप से उनकी वृत्तचित्र प्रकृति, धारणा की पहुंच, लोकतंत्र, प्रतीत होने वाली सादगी से निर्धारित होने में उनसे भिन्न थीं। सृजन और अद्भुत संचार कौशल।

इसमें कोई आश्चर्य नहीं कि 20वीं सदी के सबसे प्रमुख फोटोग्राफरों और क्यूरेटरों में से एक, एडवर्ड स्टीचेन, जो लगभग एक सदी तक जीवित रहे और कई दशकों तक तस्वीरें देते रहे, ने अपने करियर के अंत में एक आश्चर्यजनक निष्कर्ष निकाला। "जब मैंने तस्वीरें लेना शुरू किया, ए रोडचेंको। 1924.सोवियत अवंत-गार्डे फ़ोटोग्राफ़र की प्रसिद्ध तस्वीर "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मदर" पूरी दुनिया में जानी जाती है। उन वर्षों में, उसने असामान्य रूप से क्लोज़-अप छवि बनाई। कुछ लोग इसका श्रेय लीका कैमरे की क्षमताओं को देते हैं, जो 1925 में सामने आया था। लेकिन ऐसा नहीं है, ये कैमरा फोटोग्राफर के पास काफी बाद में दिखाई दिया. तस्वीर 9x12 कैमरे से ली गई थी। इसके अलावा, सिर की छवि ने प्लेट पर केवल एक छोटे (माचिस की डिब्बी से भी छोटा) भाग पर कब्जा कर लिया। रोडचेंको की नवीनता यह थी कि उन्होंने आम तौर पर सामान्य छवि से नकारात्मक पर एक क्लोज़-अप चुना, जो नकल के लिए एक वस्तु बन गई और 1920 और 1930 के दशक की फोटोग्राफी में एक विशिष्ट तकनीक बन गई।

आधुनिक फोटोग्राफी आश्चर्यजनक रूप से बहुआयामी है - इसमें सौंदर्य संबंधी अपार संभावनाएं हैं और यह दर्शकों को अपने आसपास की दुनिया की प्रलेखित सुंदरियों से प्रसन्न करना कभी बंद नहीं करती है, और साथ ही यह हमारी दुनिया की स्पष्ट घृणित चीजों की ओर हमारा ध्यान आकर्षित करने में सक्षम है। यह अभी भी हमारे सामने कुछ ऐसा प्रकट करता है जो मानव आँख ने पहले कभी नहीं देखा है, क्षणभंगुर स्थितियों को पकड़ने की अपनी अद्वितीय क्षमता के कारण, यह वास्तविकता के उन तथ्यों पर हमारा ध्यान आकर्षित करने में सक्षम है जिनसे हम लगातार गुजरते हैं, और इस तरह के विस्तार में योगदान देता है। हमारा विश्वदृष्टिकोण.

तकनीकी कलाओं में प्रथम होने के नाते, यह लगातार अपने वाद्य भंडार में सुधार कर रहा है, जिससे नए रचनात्मक क्षितिज का रास्ता खुल रहा है। डिजिटल फोटोग्राफी ने इस प्रक्रिया में एक नई क्रांति ला दी है, इसे बहुत सरल बना दिया है और लाखों लोगों को ललित कला के सबसे लोकतांत्रिक रूप में शामिल होने में सक्षम बनाया है। इंटरनेट के पास मौजूद तकनीकी संभावनाओं ने फोटोग्राफी के उपयोग के लिए अभी भी अचेतन संभावनाओं को खोल दिया है। एक बात स्पष्ट है - अपने अस्तित्व के पिछले दशकों में मौजूद स्पष्ट भौतिकता से परे जाकर, इसने एक नई आभासी गुणवत्ता और तुरंत फैलने की क्षमता हासिल कर ली, जिससे यह नोस्फीयर का एक पूर्ण हिस्सा बन गया, जिससे मानवता को गहराई से प्रवेश करने में मदद मिली। न केवल भौतिक, बल्कि आध्यात्मिक प्रक्रियाओं के सार में भी गहराई से उतरें।

हमारी वास्तविकता को प्रतिबिंबित करने के रूपों और तरीकों की विविधता, और हाल ही में कुछ नई वास्तविकता बनाने की संभावना, हमें फोटोग्राफी के सभी रूपों के मूल्यांकन के लिए सार्वभौमिक मानदंडों की पहचान करने की संभावना के बारे में बात करने की अनुमति नहीं देती है। फ़ोटोग्राफ़ी आज लगभग उतनी ही बहुआयामी होती जा रही है जितना कि यह जीवन को पुनः निर्मित या प्रतिस्थापित करती है। हम आज ऐसी तेजी से भागती धारा में हैं, जहां स्थिर निर्देशांक हमारे आंदोलन का पूरी तरह से मूल्यांकन करने में असमर्थ हैं, और नए निर्देशांक अभी तक दिखाई नहीं दे रहे हैं।

इस लेख में, मैं के बारे में लिखना चाहता हूँ गुणवत्तापूर्ण फोटोग्राफी के लिए तीन मानदंड. आख़िरकार, यदि आपने एसएलआर खरीदा है, और इससे भी अधिक दौरा किया है, तो आप चाहते हैं फोटो खींचना सीखो, और आपकी तस्वीरें, निश्चित रूप से, उच्च गुणवत्ता की होनी चाहिए, है ना?

तो, चलिए काम पर आते हैं।

सब से ऊपर तीक्ष्णता

लेकिन, इसका मतलब यह बिल्कुल नहीं है कि पूरी फोटो शार्प होनी चाहिए, नहीं, ऐसा नहीं है। लेकिन फिर हर किसी के पसंदीदा बोके के बारे में क्या? चित्र का अर्थ केन्द्र तीव्र होना चाहिए!

उदाहरण के लिए, किसी चित्र में ये आंखें हैं। बाकी सब कुछ धुंधला हो सकता है.

विनाशकारी अतिप्रदर्शन

मेरे पास आपके लिए एक बहुत मूल्यवान सलाह है: फोटो को हल्का बनाने की बजाय गहरा बनाना बेहतर है। एक गहरे रंग की तस्वीर में, आप अभी भी छाया को खींच सकते हैं, और ओवरएक्सपोज़र वाली तस्वीर को ठीक करना बहुत मुश्किल है। विशेषकर यदि आपने आकाश को "मार डाला"। इसके अलावा, अपने मॉडल पर "सन स्पॉट" न बनाने का प्रयास करें। चूंकि छाया के साथ एक महान विरोधाभास प्राप्त होता है।

संघटन

आपको हर चीज़ का पूर्वाभास करना चाहिए, वह सब कुछ जो आपकी तस्वीर में होगा। आख़िरकार, एक छोटा सा विवरण भी, और तस्वीर ख़राब हो जाती है। उदाहरण के लिए, वे अक्सर फ़ोटो - बिजली लाइनों को खराब करना "पसंद" करते हैं। या दूसरी बड़ी गलती है अंगों का खतना। आप एक फोटोग्राफर हैं, सर्जन नहीं।

लेकिन, अगर ओवरएक्सपोज़र से निपटना मुश्किल है, तो यहां स्थिर तस्वीरें सहेजी जा सकती हैं।